Find the future, found the way.

在一人一故事劇場的學習歷程中，儀式(Ritual)常常是一個不容易理解的概念。何者為儀式，何者不是？儀式的目的為何，是否一定要照著做？

什麼是儀式呢？Ailson Wood Brooks等人(註)最近發表了一篇關於儀式能夠透過降低焦慮來增進表現的研究論文引發了我的興趣。依照他們的整理，儀式有各式各樣的定義，而其中有三項標準十分關鍵：一是固定的行為順序；二是象徵性的意義；三是無功能的行為。因此他們定義儀式是「預先確定順序的象徵行動，這些行動常常具有禮節(formality)和重複的特色，也常常缺乏直接有效的目的性」。我覺得這是個有趣而且可以參考的定義，特別對於分別何者是儀式，何者不是有些助益。而這篇文章也讓我進一步理解，為何我很在意演出前與演出後的團隊儀式，以及演出前的儀式如何對演出有正向的幫助。

如果專注在一場演出中運用的儀式，我們可以簡單分成三個面向：

一、「演出前－演出－演出後」的儀式(Pre- and post- performance ritual, PPR)
二、貫穿整場「演出」的儀式（Performance ritual, PR）
三、演出中某個形式或是特殊情境中運用的儀式(Ritual in the specific forms or conditions, R)

為了更容易理解，我們可以先從第二種儀式(PR)開始談起。在一場演出中，有開場，有結尾。開場時演員以自我的身份介紹自己，然後成為中性的演員；在演出的最後，演員回到自己的身份結束這場演出。演出原則上從熱身(短形式)開始，漸漸進入故事(長形式)。每個故事(或經驗)的演出都會有訪談、場景設定、演出、致意和結束五個步驟。演員以中性的姿勢狀態，演出結束之後再回到中性狀態。演出的過程中原則上演員不「下舞台」。

這些預先固定下來的行動，就是儀式。而且在不同的演出中原則上都會按照相同的次序或是原則來進行。對演員來說，這樣的儀式架構有助於演員自我準備與彼此合作；對觀眾來說，這樣的儀式架構也有助於觀眾進入演出的能量流動裡。而這也是為何在一人一故事劇場中會強調儀式的重要性。

許多儀式是經過實踐而累積的工作方法，雖然受到不同文化環境的影響，仍具有某個程度的穩定性與一致性。舉例而言，如果主持人並沒有訪談說故事人就邀請演員演出觀眾此刻的心情，這將會與演出故事的五個步驟不一致。從儀式的觀點來看，這並非好的選擇。然而這不代表每個儀式或是步驟都得用完全一樣的方式來進行。舉例而言，「結束」的步驟在不同的狀況下也許有不同的操作模式，在短形式裡，主持人也許會說「這就是為你的演出」，而在自由發揮裡，主持人也許會請說故事人分享當下的感受或是詢問演出是否遺漏了重要的片段。

第三種儀式(R)具有較高的彈性，依照不同的團隊，不同的狀況可能有不同的操作模式。舉個具體的例子。一對對這個形式在不同的地區發展出不同的操作方法。古典的作法是由主持人側向樂師側依序開始演出；演出時一組停下一組才動作。某些地區流行的作法是由樂師側依序向主持人側演出。有些地區則會在「請看」之後，所有的演員先做一個定格動作，再依序呈現。

另一個更具體的例子是自由發揮，也就是場景故事的演出。在主持人說請看之後，不同的團隊有不同的作法。有些團隊的演員會到布架前面圍成圓彼此相望，然後才開始設定舞台。也有團隊演員分列在舞台左右兩邊彼此對望。有些團隊則會把舞台上的椅子撤開。這都是不同的選擇。另外，有些團隊會以第一幕場景做為定格的背景，有些團隊則會先做一個封面，然後再做第一幕場景。據Jonathan的想法，做封面的原因可能更多是因為儀式性而非藝術性。果真如此，做封面這個動作也許和前述演員團聚或是對望的儀式具有相似的功能，而且可以加入無功能行為。

形式如何表現常常具有強烈的團隊特色，有時則受到教導者的習慣或是所學的影響。也因此形式中的儀式常會出現細微或頗大的差異。當我們發現別人的作法與我們不同時，我們可以停下來欣賞並且辨別其中的差異，然後為自己做出選擇。

此類儀式在一場演出中重複性較高。例如連續幾個短的心情分享，都運用流動塑像來呈現，因此形成了一種重複性，而重複性會帶來節奏感，引領觀眾進入一種分享的流動之中。

在一人一故事劇場中，追求儀式性、藝術性和社會互動性的平衡。也因此在形式的儀式選擇上，常常會有不同的取捨。當演員目視遠方保持中立的狀態，呈現出很高的儀式性；然而如果演員一直不對任何事情產生反應，社會互動性可能因此降低，便會造成演出的不平衡感，就好像我們是參加神聖的宗教儀式或是進入告解室一般。另一方面，我們可能會為了追求藝術性，因此選擇只運用單一一種自由的形式(也有人稱之為無形式)，這可能也會忽略了觀眾準備的狀況(社會互動性)或是儀式性。

回到第一種儀式(PPR)。有個具體的例子可以說明何謂「演出前的儀式」。相傳古代時祭神之前必須戒齋沐浴，而沐浴必須用蘭湯。如果沒有完成一定的儀式，就會被視為不潔淨。

對觀眾而言，與觀眾的互動(如售票、文宣和諮詢服務)，邀請觀眾進場之前的活動等等，在演出之後的座談，離場前甚至事後的跟催等等，這些都是「儀式」的一部分。對演出團隊而言，如何相聚，如何熱身，如何服務彼此、確認演出流程，演出後的連結甚至是之後的檢討等等，也是儀式的一環。這部分各個團隊都會有自己的安排與選擇。

對我來說，一人一故事劇場中的儀式在概念上也許和中華文化中的「禮」很接近。孟子曰：「恭敬之心，禮也。」禮不單純只是形式上的一種流程或是具有規範或宗教上的意義，還具有許多心理、社會和文化上的涵義。如果每一個故事都是珍貴且神聖的，運用儀式「恭敬」的呈現，應是適當的選擇。

(註)Don't stop believing: Rituals improve performance by decreasing anxiety，Organizational Behavior and Human Decision Processes 137 (2016) 71–85   pdf下載網址

儀式是一種有目的的程序，涉及於場域、對象(人)和某些轉變。儀式可以是宗教的或是非宗教的。舉例而言，大到婚喪喜慶的儀式，小到喝酒之前要滴三滴酒敬祖靈(台灣原住民的文化)，都是一種儀式。儀式都有其目的，有時會帶著轉變，像是身分的轉變(成年禮)、關係的轉變(婚禮)等等，或者我們可以說，儀式在深層的意涵中，多少都帶著「轉化」的意圖。

我學習一人一故事劇場的第一件事就是儀式，也因此我所帶領的一人一故事劇場訓練，必然也是從某個儀式開始。在一人一故事劇場中，並非所有的「規則」都必然是「儀式」，像是三句話究竟哪三個人留下來，每個劇團都可以有自己的選擇。不過訪談故事時要請說故事人坐上椅子，演完之後演員向說故事人行注視禮等等，這些都是有目的而且必要的程序，用以支撐演出的順利進行、協助觀眾能在一個較安定的狀況下共同探索與對話，因此儀式一般而言不能省略。

在我看來，一人一故事劇場的儀式是涉及於整場演出的程序。開場怎麼做，如何開口說第一句話，舞台怎麼安排，整體的氛圍和節奏感，主持人說話的語速、視線的方向和走位，燈光與音樂的切入點，演出什麼形式，如何邀請故事，故事怎麼訪談，一個故事演完之後怎麼處理，結束怎麼進行等等等等。有些部分可能和藝術性或是社會互動性息息相關。簡．艾倫．赫麗生(Harrison. Jane Ellen)在《古代藝術與儀式》(三聯書店)中提出了一個觀點來區分儀式和藝術：

「我們發現，儀式是一種再現或預現，是一種重演或是預演，是生活的複本或模擬，而且，尤其重要的是，儀式總有一定的實際目的。藝術同樣也是生活或激情的再現，但是，藝術卻遠離直接行動，藝術常常就是實際行動的再現，但是，藝術卻不會導致一個實際目的的實現。藝術的目的就是其自身，藝術的價值不在於其中介作用，而在於其自身。在此意義上，儀式就成了真實生活和藝術之間的橋樑。」p87

透過這個角度來思考，也許就比較容易理解Jonathan在〈為了我們這時代的儀式〉一文中的想法。我個人會用整場一人一故事劇場演出來觀察其藝術性、儀式性和社會互動性。事實上一場一人一故事劇場的演出並非從故事分享之後才開始，而是從觀眾踏進劇場就已經開始。因此一個故事用什麼形式來呈現，只是藝術性中的一環。連結這些故事的分享與演出能夠順利的進展，需要整體規劃的程序，這就是儀式所扮演的重要角色。

為什麼我們把流動塑像預設為一場一人一故事劇場開始的形式？這是因為我們需要為觀眾、觀眾與演員的關係做準備，也為接下來進入更深更完整的故事做暖場。如果一開場就有觀眾拋了一個巨大而深刻的故事，而我們接下來直接開始演出自由發揮，也許會對其他觀眾產生很大的壓力，或是陷入故事的情緒之中。我們需要為大家做好準備。因此對我來說，選擇流動塑像主要是因為社會互動性和儀式性。因為有了前期的流動塑像，觀眾更能理解演員的特質，在自由發揮時選角色，也就更有連結性。

當我們知道了程序(儀式)的目的和我們可以有的諸多選擇，我們就會明白現在擁有的一些一人一故事劇場中習慣性使用的儀式，其實都是許多經驗累積下來的選擇。另一方面，演出的形式也常常伴隨著儀式性。一對對的開場是兩人一組，自由發揮開場時演員不討論等等，我覺得更多和儀式性有關。在一人一故事劇場中，音樂和儀式性有著很強烈的連結。也因此有時在訪談的階段，當觀眾還在思考要不要分享故事時，樂師會用適合的音樂創造魔法般的氛圍。

最終，儀式代表著一群人如何在某個時間裡聚集在劇場裡，同時經歷什麼樣的歷程。儀式不單只是一連串的步驟，這包括潛意識與表意識層面的互動，並且讓一人一故事劇場的美好能夠在一個具大的容器中得以發生。

在不同的文化背景中呈現一人一故事劇場，多多少少都會帶有一些文化的質感。這可能是因為教導者的一開始的某些取捨，但是也可能是來自於某些集體文化的共同選擇。

以大合唱這個形式為例，原始的大合唱來自於希臘歌隊的形式，因此要求每一個人都表現同樣的狀況－－說相同的話，做相同的動作，維持相同的高度等等。不過如果我們看過不同的人演出大合唱這個形式，就會發現每個團隊多多少少有一些不同。然而當我們更進一步去比較時，也許還會發現西方的呈現和東方的呈現有某些質感上的不同。

在你說我演的大合唱裡，我當時做了一些藝術性上的選擇。我建議用較少的話語和較多肢體動作，然後每一個人表達同樣的狀況但是允許每個人的差異，例如高低上的差別。這種方式在其他人眼中是可能就不是大合唱而是另外一種形式。如果硬是要說，我只能說這是我的選擇，我選擇在大合唱中更多的寫意而非重複的美感。

這個在自己的團隊中呈現沒有問題，不過如果和其他人合作，或是開設工作坊時，就會出現差異並造成疑惑。所以我也正在思考，乾脆把我們的大合唱喚作另一個名稱，比如說「肢體吟唱」之類，就比較不會造成困擾。

不同的土地有不同的氣候和土壤，也有不同的生活文化，是故在台灣的作物和歐洲不同，也和非洲有很大的差異。我相信，一人一故事劇場也是如此。在不同的文化和場域裡總會有不同的特質。最終我們得思考，如何在與世界接軌和在在地發展之間取得平衡。

如何把在工作坊所學的東西帶回團練？

這是個很弔詭的問題。這問題至少有兩個層次，一是所學，二是帶回去。

所謂所學的東西是什麼呢？遊戲，方法，概念，這可能是比較容易傳遞或是再實施的部分，但是態度、自己的反思或是內在的轉化，可能就不容易傳遞給他人。

所謂的帶回去又是指什麼呢？如果只是單純地回去分享，這相對容易，但是如果要重覆操作同樣的事情，可能有許多事情我們不知道，或是能力的準備度上還需加強。

例如，我們最近為了要分組，討論了很多不同的方法，有人提到像是導師轉椅子的方式，也有人提到我愛紅娘的方法。後來臨機一動，就設計了一個非常簡單的方法，能夠讓學員主動選老師，同時能夠讓老師連結到自己的風格與需求，更重要的是，過程不會有太過競爭性的尷尬場面，沒有人會覺得被遺忘或是爭輸人家。重點是連結，而不是競爭。每個人都可以把這個方法帶走，但是我們並沒有詳盡分析與說明這個方法的用途和意旨。所以有可能這個方式根本不適用在我們想要處理的事情上。

其實另一方面比較大的困難是，當我們身為學習者時，我們在體驗的過程中學習，有時並無法得知帶領者正在處理一些其他的課題，最明顯的議題之一就是「休息」。我累了所以我休息，但是在帶領者的評估之中可能很複雜，包括了對團體狀態的評估，對於目標和流程的掌握，以及許多其他的取捨。所以一般的學習，我們會建議先成為學習者，然後成為助理，之後才挑戰成為帶領者。當助理時有個很重要的任務，就是協助參與者學習，同時協助帶領者完成工作。不過也並不是所有的助理都有機會對於課程的內容有全盤的了解。另一方面，如果在實習帶領的過程中，有一個資深者從旁協助或指導，也能夠幫助我們更好的掌握和準備。

這其實才是真正的困難。通常我們能帶走的都是表相。不過這也沒有什麼不好。通常我們也會放一些簡單的活動讓大家帶走。我們也得承認，有時別人能教的事情，我們教不來。